miércoles, 30 de noviembre de 2016

Sombras fronte ao banco

Rue Saint-Antoine nº 107
Fotografía. Como cada mes de novembro a Fundación Cuña-Casasbellas enche os días deste mes de outono de iniciativas arredor do pensamento, da poesía e da plástica. Así, este ano, a súa programación de recitais poéticos complétase coa exposición do fotógrafo Roberto Gómez que propón dúas series de imaxes cheas de interese.


Novembro é o mes desta Fundación que dende o nome dos grandes Manuel Cuña Novás e Jorge Cuña Casasbellas traballa dende eses dous alicerces para construir un espazo de reflexión e solidaridade cultural co home como principio irrenunciábel. Un mes que enche de recitais e iniciativas culturais en lembranza desas dúas figuras pero que dende o verso se achega a outros moitos nomes a partir dos que establecer eses chanzos para reforzar o noso pensamento. Un deses proxectos ven da man da fotografía e extenderase ata o 17 de decembro tempo no que poderemos achegarnos, na sede pontevedresa da Fundación, na rúa Gerardo Álvarez Limeses, á fotografía de Roberto Gómez, unha feliz descuberta dun traballo que sobre todo valora a mirada.
A partir de dúas series de imaxes Roberto Gómez propón un achegamento a súa mirada, que pretende ser tamén a nosa. Dúas propostas moi diferentes se falamos do formal pero que acurtan esa distancia pola importancia que se lle presta ao xeito de mirar, a facer dese acto non casual, senón dirixido, un xeito de relacionarnos coa realidade.
A primeira delas é un elegante xogo compositivo, unha arquitectura dos obxectos que poéticamente invaden o espazo compoñendo unha nova realidade. Sombras e luces que reflicten como a nosa mirada se pode educar dende o tratamento da beleza, como se pode facer dun espazo unha reinterpretación de liñas e obxectos que reclaman un potencial plástico que engaiola ao fotógrafo que da a sensación de abstraerse horas e horas compoñendo estes territorios imaxinados para capturalos coa súa cámara e poñelos así ante a nosa mirada para que lle continuemos o xogo, para que a nosa complicidade teña, neste mergullo estético, unha profundidade como a que tiveron moitos dos artistas das vangardas, sobre todo as vangardas soviéticas do século XX, nas que o Constructivismo definiu unha nova estética na que a composición tiña unha importancia fundamental.
Fronte a esa mirada máis do estético atopámonos con outra serie de fotografías nas que a mirada recupera a idea do ‘voyeur’, nas que fai desa mirada un xeito de apropiarse dunha realidade que se integra así no seu proxecto artístico. Un banco ante o que Roberto Gómez se asoma cada día é o que centra esta segunda serie de imáxenes plantéxanse como diferentes fotogramas dunha historia ou historias en cor, xa que cada ‘tira’ desas fotografías serve para compoñer unha realidade diferente, a de aquelas persoas que fan dese banco un instante da súa vida. Persoas anónimas, das que non sabemos nada, simplemente que ocupan ese banco durante uns instantes e que o converten en parte momentánea da súa existencia, pero tamén como un cruce desas existencias. Xentes que coinciden nese fragmento de tempo, rapaces ou maiores que se achegan durante o tempo que están no banco, aínda que logo non pase nada entre eles. É unha lectura do cotiá, daquilo ao que non lle concedemos importancia e que, sucedendo ao noso arredor, desprezamos. Pero o fotógrafo si que repara nese momento, servíndolle de motivo, servíndolle de reflexión sobre aquilo que acontece no seu estudo mentres el está tan preocupado na súa composición ‘constructivista’, nesa outra mirada perfectamente meditada e pensada en función dunha fotografía que se pretende, mentres que no exterior, a través desa fiestra, é a propia vida a que xenera a súa composición sen aceptar interferencias.
Temos, polo tanto, un contraste que Roberto Gómez nos achega para que coñezamos o seu traballo, para que sexamos partícipes desas dúas formas de mirar que un mesmo fotógrafo pode obter da realidade, facendo desta exposición un lugar intermedio entre o íntimo e o público, entre o que acontece no estudio dun artista e ese outro mundo que no exterior semella ás veces non importarlle ao artista. Colocarnos nese punto de equilibrio é a gran virtude de Roberto Gómez e da súas imáxenes, parte non só dun proxecto persoal, senón agora tamén desa permanente proposta da Fundación Cuña-Casasbellas para reflectir o noso mundo e o ámbito da creación dende unhas claves fondamente humanistas. Non perdan a oportunidade e achéguense a ese espazo intermedio, a un lugar entre a sombra e un banco de rúa. Entre o artista e a realidade. Entre o creador e o home.


Publicado no Diario de Pontevedra 28/11/2016

lunes, 28 de noviembre de 2016

Más allá del suspense

Alfred Hitchcock es mucho más que un director de suspense. Un creador total que, rodeado de grandes talentos, configuró alguna de las obras cinematográficas más importantes del pasado siglo. Películas en las que se valía de infinidad de resortes que, una vez accionados correctamente, permitían a sus películas empatizar con un público que estaba siempre muy presente en su pensamiento cuando filmaba una película. Una exposición deja al aire muchos de estos resortes y consigue involucrar al espectador en el interior de unos fotogramas inmortales.


ACERCARSE A ALFRED Hitchcock supone aproximarse a todo un imaginario visual que excede al propio cine constituyéndose como un hecho artístico con infinidad de vectores que singularizan su propia propuesta cinematográfica. Y esto es precisamente lo que permite analizar y disfrutar esta exposición que el Espacio Fundación Telefónica exhibe en su sede de Madrid hasta el 5 de febrero.
Hitchcock, más allá del suspense’ es todo un ejercicio visual que consigue involucrar al visitante en el universo Hitchcock a través de una serie de bloques que permiten recorrer, no solo sus películas, el soporte de sus filias y fobias, sino todos aquellos elementos que, como en una enorme partitura, se integran en unas películas en las que pocas de ellas se pueden alejar de aquello que se define como obras maestras. Y es que pocos directores pueden ofrecer una hoja de servicios al cine como la del director británico, ya que pocos son capaces a a lo largo de su cinematografía de configurar un corpus creativo lleno de coherencia, calidad y hallazgos manteniendo un nivel medio que se aproxima a la excelencia con cada trabajo.
Así es como la exposición se divide en ‘El toque Hitchcock’, ‘Mujeres y hombres’, ‘Hitchcock y su tiempo’, ‘El arte y la arquitectura’ y ‘El revés de la trama: Hitchcock, las apariencias y los trucos’. Cada uno de ellos, perfectamente ejemplificado con imágenes y fragmentos de sus películas, permite visualizar esos rincones que se encuentran en sus películas y hacerlo de una manera lo suficientemente atractiva como para conseguir que ver esta exposición signifique, en muchos momentos, situarse dentro de la propia película. Así la ducha de ‘Psicosis’(1960), la ventana desde la que se observa ese patio interior de ‘La ventana indiscreta’ (1954),o una bandada de aves, de ‘Los pájaros’ (1963), se convierten en espacios de interacción con el espectador que por un momento se aproxima a ese espacio de creatividad genial perfectamente representado que Alfred Hitchcock mostró desde su primera película ‘El enemigo de las rubias’ (1927) y que posteriormente potenció en los Estados Unidos desde su bautizo hollywoodiense con ‘Rebeca’ (1940) y evolucionaría en esas obras maestras que, por un lado, le otorgaron esa suficiencia sobre el resto de directores y por otro, permitieron que muchos de los actores participantes quedasen vinculados para la historia a unos papeles tan potentes como los ideados por el director.
Una parte introductoria nos permite adentrarnos en toda su carrera y de un vistazo somos capaces de aproximarnos a la magnitud del protagonista mediante unas líneas cronobiográficas. Leyendo los títulos de sus películas nos hacemos una idea de su papel casi sagrado en el tiempo de los estudios cinematográficos y también del porqué de su independencia de ellos o mejor dicho de su ganada libertad creativa para componer sus artefactos visuales.
Y es que una película de Alfred Hitchcock es también un espectáculo visual, una bendición para los ojos que tanto cuida el director con unos planos perfectamente estudiados, y con elementos como el vestuario o la luz que confluyen en hacer de esos fotogramas un medido ejercicio de composición en el que nada sucede por azar y en los que todo tiene algún sentido. Sentarse ante la simulación de la ventana del inválido Jimmy Stewart en ‘La ventana indiscreta’ nos pone ante, no solo una secuencia monumental, sino ante la realidad de un vecindario en permanente movimiento, con situaciones que se suceden en cada una de esas estancias, y con toda una vida que el director ha filmado, como tantas veces, desde esa posición casi divina, como si sus actos y miradas articulasen los comportamientos del ser humano.
Hitchcock supo calibrar no solo a ese ser humano sino también al tiempo que le tocó vivir e introducirlo en sus imágenes a través de la moda o la arquitectura, poderosos y fascinantes aglutinadores de nuestras miradas, pero sobre todo atractivos ingredientes para unos fotogramas plásticamente portentosos. Modelos de Balenciaga o Christian Dior; arquitecturas de Le Corbusier o Mies Van der Rohe, suman su calidad estética a todo un paisaje humano y hasta social: luminosos, gasolineras, automóviles... que, en películas como ‘Psicosis’ (1960), configuran toda una estética que rastreamos también en pintores como Hopper y que definen visualmente a esa década en los Estados Unidos.
Pero además de todo ese atrezo a Alfred Hitchcock le preocupaba de manera intensa el plantear vínculos entre el hombre y la mujer. Ya sean relaciones de pareja, pasiones posibles o imposibles, deseos irrealizables o relaciones filiales. Impagable el espacio en el que en cinco pantallas observamos de manera simultánea cinco besos. Pocos directores han hecho del beso un momento tan intenso y central en sus películas. Este punto de fricción siempre se muestra en sus películas haciendo de la lucha de géneros una de las dinamos de su películas y que quizás tenga su punto más álgido en ‘Vértigo’ (1958), y de manera magnética en ese moño de Kim Novak que te absorbe y te engulle como el desagüe de la ducha de ‘Psicosis’, ambos fotogramas juntos a la entrada de la exposición y ante los que sabes que ya no hay vuelta atrás, que esa sombra archifamosa del director te espera con todo su magnetismo por lo que ya solo te resta dejarte engatusar por su carrusel de trucos y apariencias. Y es que el cine tiene mucho de espectáculo-como eso nació y no como un producto cultural-, algo que siempre entendió Alfred Hitchcock para atraer al espectador, un elemento que estaba muy presente en su concepción de la obra. El Macguffin, el suspense y hasta sus famosos cameos buscaban empatizar con el público, fidelizar a unos clientes sin los que cuales el negocio del cine tampoco tendría demasiado sentido. «Me río de los críticos porque mis películas dan dinero», dice Alfred Hitchcock en el revelador e imprescindible libro ‘El cine según Hitchcock’. Un espectáculo global que, desde los mismos títulos de crédito, debía fascinar a ese potencial cliente. Qué decir de la música y su importancia en el clímax de la narración, del guión, del montaje... acciones que se traducen en los nombres de Saul Bass, Robert Burks, John Michael Mayes, Edith Head, Bernard Herrmann o Alma Reville, colaboradores que ocupan un justo espacio alrededor del director en el transcurso de la exposición.
Todo esto para entender cómo el cine de Alfred Hitchcock va más allá de ese cliché de mago del suspense, de esa reducción que quizás él mismo se encargó de alentar, sabedor de que el público buscaba verse envuelto por esa tensión de lo que iba a suceder. Pero lo importante es cómo esa tensión se construía fotograma a fotograma, como todo ese armazón de celuloide se erguía para dejarnos algunas de las mejores películas de la historia del cine. Es posible que no haya ningún otro director del que se pueda hacer un planteamiento expositivo como el que aquí se realiza, quizás Luis Buñuel sea el otro director que hace de su película una confluencia masiva de circunstancias que trascienden lo cinematográfico y lindan con lo artístico desde otras vertientes. Lo cierto es que tras visitar esta exposición, y tras pasar unos momentos que, como los vistos en sus películas, se hacen inolvidables, nuestra percepción de los postulados de Alfred Hitchcock no hace más que refrendar su genialidad y singularidad para situarlo en lo más alto de los creadores artísticos del siglo XX.




Publicado no suplemento cultural Táboa Redonda 20/11/2016

domingo, 27 de noviembre de 2016

Sabinismo solanesco

En una sugerente e interesante experiencia desde la Feria de Antigüedades FeriArte me han pedido que relacione una canción con una obra de arte plástica. Y me ha salido esto, un sabinismo solanesco que aquí dejo.

'Pongamos que hablo de Madrid' y de Gutiérrez Solana

RAMÓN ROZAS, Licenciado en Hª del Arte. Diario de Pontevedra. Documentalista y crítico de Arte. Comisario de cosas bien hermosas.
Cuadro: ‘La tertulia del café de Pombo’. (Gutiérrez Solana, 1920). Museo Nacional Reina Sofía.
Canción: ‘Pongamos que hablo de Madrid’ (Joaquín Sabina, 1980).
“Allá donde se cruzan los caminos”… Pocos nombres pueden vincularse más a lo madrileño que los de Gutiérrez Solana, Ramón Gómez de la Serna y Joaquín Sabina, una filiación castiza ejemplificada en un cuadro y en una canción que han pasado ya a la historia de Madrid y a su materialización artística. Aquella ciudad de vanguardias, de palabras y tertulias late también en el corazón de un Joaquín Sabina amante hasta el tuétano de esta capital ‘donde el deseo viaja en ascensores’ y en la que otros antes que él se reunían en un café de la calle Carretas, el café de Pombo, comandados por Ramón Gómez de la Serna, para calibrar la ciudad y la vida.
Para traducir lo que sucedía puertas afuera y hacerlo alrededor de una mesa; algo similar a lo que hizo un recién llegado Joaquín Sabina a Madrid, parapetado en La Mandrágora junto al inolvidable Javier Krahe, en otro proceso de traducción que tendría uno de sus primeros escalones en ‘Pongamos que hablo de Madrid’ cuando aquello de La Movida volvía a recuperar la vida de la urbe. Fue el balizamiento de la capital para la navegación que vendría, cientos de canciones, muchas de ellas íntimamente pegadas a esa piel de Madrid que el pintor Gutiérrez Solana había reflejado en infinidad de mascaradas, pinceladas oscuras y densas, y que en este caso se recogieron en ese café de pintores, poetas, bohemios, azucarillos y copas, que Sabina resumió en deseos, estrellas, metros y todo un mar contenido en un vaso de ginebra. ‘Pongamos que hablo de Madrid’.


sábado, 26 de noviembre de 2016

Pensar e non calar!

«11 anos como xornalista e o #primAcoso mantense: “bonitiña, gracias guapa, pero ti sabes? ti soa?”»
«14 anos. O profesor que lle di á túa compañeira na clase: “con esa faldita que me traes me desconcentras” #PrimAcoso»



Xa pasou onte, 25N, e é hoxe. Unha obvia reflexión da que xorde unha pregunta, e agora que? Onte e os días anteriores estiveron cheos de mensaxes e de iniciativas para loitar contra a violencia de xénero, contra esa peste que se espalla polo noso mundo e que lonxe de atallarse semella medrar cada día. Escoitamos, grazas a outra excelente campaña do Concello de Pontevedra, comandanda pola concelleira Carme Fouces, os testemuños que racharon co silencio  e que agora saen á luz tras ese #primAcoso que revolucionou redes e tamén conciencias, e que segue a liña daquela outra campaña de 2014, tamén de gran éxito e tamén da man do talento pontevedrés de Ovo Publicidade, na que se lle daba protagonismo ao insulto que reciben moitas mulleres.
Pensar e non calar! exclamou nas redes outra das nosas concelleiras, Anabel Gulías, tras ler algunhas desas declaracións. Unha frase que un non pode resistir roubar como título para este artigo dun espazo libre de violencia machista. Libre dese silencio que tapou durante demasiado tempo os berros da miseria moral, as labazadas da cobardía e as mortes daquilo máis noxento que pode haber nun ser que pretende adxetivarse como humano.
Esta campaña levaba hai unhas horas máis de cinco mil comentarios coa etiqueta #primAcoso, cinco mil mulleres que pensaron e non calaron, que lembraron un intre no que sentiron o que era a palabra acoso nas súas vidas, aínda que pola súa idade non fosen conscientes daquel feito, pero sí que o estremecemento que sofriron lles fixo gardar ese momento no seu interior como algo de tanta intensidade que, aínda que fose negativo, debía agocharse para seguir en alerta. Ninguén debería ter que vivir en alerta. Ninguén tería que esperar esa repetición. Ninguén ten que ter esa sombra na súa vida. Agora, non calalo é xa non só unha liberación, senón tamén poñer no outro lado, no dos homes, a posibilidade tamén de pensar e non calar, de que aquilo que moitas veces foi miserabelmente menosprezado ou calificado como ‘cousa de mulleres’ era un feito dunha fonda gravidade que pon de relevo como a sociedade no seu conxunto tamén actuaba contra a propia muller e como o que tiña que ser un apoio converteuse nunha maior sensación de culpa. A un, como home, cando le eses comentarios, aparte da repugnancia, tamén danlle gañas de baixar a cabeza, de preguntarse cómo somos capaces de chegar a esas situacións con quen tanto aporta á nosa vida, tanto de xeito individual coma colectivamente. E tampouco calo, e escribo, e me fago preguntas que eu mesmo son incapaz de resolver sobre o porque: Unha sensación de superioridade? Un carácter primitivo de dominio? Inseguridade? A descarga da ausencia de afectos? Enfermidade? Simplemente maldade?
Hoxe, que xa estamos no día despois, todos estes comentarios que encheron redes, comercios e informacións en prensa non deben disolverse no esquecemento que segue a unha data especial. E non poden ser esquecidos porque son os chanzos polos que esta sociedade ten que gabear para poder mirarse ante o espello da súa reconversión moral. O principio de saír a frote do noso propio naufraxio e aí si que os que vivimos en Pontevedra temos alguns deses chanzos por riba dos demáis. É un orgullo vivir nunha cidade que pelexa por que estas actitudes da dignidade sigan en pé, porque se traballe de xeito decidido por unha educación que, como para tantas cousas, é a única saída cara a superficie. Escapen das habituais liortas políticas, dos que ven todo o que se fai ou escribe en relación ás propostas dunhas ou doutras siglas, o ben feito non ten cores, os xestos e as decisións non entenden de poltronas, como demostrou toda a Corporación de Pontevedra no pleno do pasado luns, cando todos eles vestiron unhas camisetas negras con un lema contra este tipo de violencia. Asi se fai comunidade, así medra unha poboación, moito máis forte e segura de si mesma. Unha poboación que, grazas a este tipo de campañas, decide pensar e non calar. Decide pasar á acción.
Estas liñas foron escritas o pasado xoves arredor das oito da tarde. A esa mesma hora entraba no xornal unha noticia de axencia: «Morre unha muller en Fuenlabrada degolada polo seu marido». E agora qué?




Publicado no Diario de Pontevedra 26/11/2016

lunes, 21 de noviembre de 2016

Saramago continuado

 Rue Saint-Antoine nº 170
Memoria. La concesión del premio Luso-Español de Arte y Cultura a Pilar del Río, viuda del premio Nobel portugués José Saramago, visibiliza un trabajo intenso que inició junto al escritor pero que continúa desde la Fundación José Saramago en Lisboa y en la participación en congresos por todo el mundo, como el que trajo a ambos a Pontevedra.
 
Pilar del Río del brazo de José Saramago en Pontevedra

En el documental ‘José e Pilar’ (2010) dirigido por Miguel Gonçalves Mendes, José Saramago durante los actos de inauguración de la Fundación que lleva su nombre, instalada en la Casa dos Bicos de Lisboa, se refiere al trabajo de Pilar del Río al frente de la misma como una Presidenta con una labor destinada a «continuarem me», es decir, a continuarme. Y esto es precisamente lo que ha hecho Pilar del Río desde aquel junio de 2010 en que falleció el Nobel, continuar proyectando un legado que va mucho más allá de la soberbia herencia literaria, sino que se adentra por los territorios del compromiso y la defensa de los derechos humanos.
La concesión del premio Luso-Español de Arte y Cultura que con carácter bianual se entrega a alguna personalidad que aliente desde el arte y la cultura la comunicación y cooperación entre España y Portugal, premia a la periodista por su «amplio trabajo intelectual como periodista, traductora y promotora de la cultura luso-española» y eso es algo que no ha dejado de hacer ni un solo día Pilar del Río en esa tarea de continuación, de proyección de la figura del autor de ‘Ensayo sobre la ceguera’. Su activa participación en causas solidarias a ambos lados de la ‘raia’ y la difusión de una obra literaria y de pensamiento que no deja de redimensionarse cada año que pasa, nos obliga, también desde Pontevedra, a recordar cuando nuestra ciudad fue parte de esa agenda hercúlea que ambos desarrollaban en común, como un equipo increíblemente engrasado, arrolladoramente posibilista en cuanto a las condiciones del ser humano por el trabajo y el contacto con los demás. Si nos asomamos de nuevo a ese documental era sorprendente la capacidad de ambos para moverse por el mundo y cumplir con un programa de actos abrumador.
Así fue como en otro noviembre, el de 2002, el noviembre negro del Prestige, cuando, precisamente durante esos días en los que el funesto barco iba y venía del quinto pino, Pontevedra acogía un congreso en torno a la gran novela española del siglo XX, ‘La saga/fuga de J.B.’, del que fuera nuestro vecino (aunque a muchos se les haya olvidado), Gonzalo Torrente Ballester. Admirado y ensalzado por José Saramago, la directora del congreso y gran conocedora de ambos, Carmen Becerra, nos obsequió con una presencia y unas jornadas de esas inolvidables para una ciudad, y que nunca está de más recuperar como homenaje para quienes la organizaron y participaron.
José Saramago saluda a Manuel Rivas
en presencia de Pilar del Río
En el Auditorio de la Caja de Ahorros de Pontevedra se plantó la enhiesta figura de José Saramago que llegaba y paseaba la ciudad del brazo de la ahora premiada, Pilar del Río. Allí les esperaban Víctor Freixanes, Alfredo Conde, Darío Villanueva y Manuel Rivas, con quien protagonizó un efusivo encuentro. El escritor portugués fue el encargado de dar inicio al congreso en cuya intervención dejó dos recuerdos sobre Torrente Ballester. Uno, el de su presencia en su entierro en un pequeño pueblo, Serantes, un entierro campesino bajo los acordes de la gaita de Carlos Núñez y su ‘Negra sombra’; y el otro, en Roma, cuando en un improvisado agradecimento en la recogida de un premio, Torrente Ballester, sin papel, ni pausa, solo su memoria, ofreció todo un ejemplo del arte de la retórica. «En ese momento me di cuenta del poder real de la palabra. Aquel ser pequeño y débil era en realidad un gigante y los demás éramos los insignificantes».
Al día siguiente aquel barco se partió en dos. Galicia en alerta negra y Saramago se recogía entre el pueblo, en una de esas causas comandadas por el compromiso y la confianza en el ser humano al otorgar su apoyo en un acto a los vecinos de Placeres que había visto como una línea de ferrocarril invadía su único espacio público. Y a su lado, como no, una mujer, la mujer que decidió continuar a José Saramago, Pilar del Río.


Publicado en Diario de Pontevedra 21/11/2016
Fotografías Gonzalo García


domingo, 20 de noviembre de 2016

A dozura dun pincel

«As obras de Ánxeles Iglesias forman parte dese tecido de sensacións, establecen topografías nun mapa de confidencias.»
[Xaime Toxo]

Ánxeles Iglesias nunha clase de pintura
no Ateneo Santa Cecilia
Abofé que tanto Ilona Maier coma Antón Sobral non me terán en conta que este comentario llo adique en exclusiva a Ánxeles Iglesias, a pintora que, xunto cos dous citados, participa dunha exposición de nome ‘Baviera versus Galicia’ no Museo Manuel Torres de Marín.
O certo é que un non se pode resistir, cada vez que Ánxeles Iglesias amosa o seu traballo, á loubanza de quen, xa cumpriu noventa anos e segue facendo da pintura o latexo da súa vida, e máis cando esta mostra ten lugar no seu íntimo Marín, territorio no que a pel da propia vila estremece polo moito tempo que leva contemplando as súas obras. Pero sobre todo, polo seu compromiso con moitas causas sociais e porque son moitos os cativos que ao seu carón achegáronse á pintura e que nalgún momento sentiron o que é ter un pincel nas mans o que supón manchar a pel co material ou acadar a milagre do debuxo nunha superficie branca. 
Nas moitas décadas de traballo de Ánxeles Iglesias varios deses anos estiveron adicados a esas clases de debuxo e pintura no Ateneo Santa Cecilia de Marín, onde tomou o relevo doutro gran mestre, o pintor Manuel Torres, que xa deixara a súa pegada nese mesmo labor. Rodeuse ao longo dos anos Ánxeles Iglesias de decenas de rapaces cos que compartir a felicidade da descuberta na procura da inconsciencia da infancia, o descaro que fai dunha obra de arte algo natural, un feito espontáneo, algo ao que moitos creadores tentan chegar como o gran fin da súa obra pero que non son quen de acadar para a súa frustración.
Cada cadro de Ánxeles Iglesias é toda unha declaración de amor a este oficio que sintetiza, dende a dozura dun pincel, en todos eses obxectos, froitos ou tecidos, captados dun xeito abraiante, e que protagonizan as súas obras. Eu mesmo teño colgado na miña casa un pequeno cadro de Ánxeles Iglesias, unha sinxela copa chea de auga. Asegúrolles que non hai un só día, dende que ese cadro está alí pendurado, que non mire para el, que durante uns segundos non atope na súa aparente sinxeleza toda unha trascendencia emocionante á altura de moitos cadros de pintores recoñecidos que se atopan en museos ou que participan en exposicións sobranceiras. A capacidade da pintora para reflectir a transparencia desa auga ponnos ante ese misterio que só, quen ten a pintura como un cómplice fiel ao longo de moitos anos, pode acadar.
E nesa complicidade, que dicir de todos eses olliños que atendían ás súas indicacións á hora da travesía pola superficie baleira? Seguro que nin un só deses cativos esqueceu a aquela mestra de debuxo entre taboleiros de madeira, paletas e cabaletes. Tempos nos que non había tantas diversións e distracións nas mentes dos nenos, e onde se apostaba polo debuxo ou o artístico como medio de formación e de motivación dunha imaxinación que agora semella cada vez máis acernada polas tecnoloxías acosadoras que temos hoxe en día.
Marín sempre estará en débeda con ela, co seu traballo silente, sen pretender medallas, tan só o facer da vida unha expresión afectuosa cos seus veciños, tan importantes para ela mesma. Agora, que por fin se reivindica á muller do xeito que sen dúbida merece, a figura de Ángeles Iglexias é un bo modelo daquilo que tanto se pretende gabar hoxe en día. Viúva demasiado cedo o seu traballo alén da pintura e o mantemento dos seus fillos non lle impediu facer da súa porfía artística un complemento vital irrenunciábel que leva, nas últimas décadas, amosando a súa pintura  en numerosas exposicións orgullosa do feito, orgullosa de seguir manexando un pincel como resistencia fronte ao paso do tempo. Muller resistente, muller valente.
Agora expón os seus últimos traballos no Museo que leva o nome de quen foi un dos seus mestres, un Manuel Torres que deixou unha pegada fonda en Marín e cuxo relevo colleu esta muller que segue deixando a súa, xa non só nos lenzos, senón entre a veciñanza. Visiten a mostra, aínda aberta ata fin de novembro, e entenderán como unha pintura é quen de revelar como é a persoa que a xerou. As pinceladas falaranlles de sinceridade, de agarimo, de sosego, de beleza, en definitiva, da dozura con que un pincel pode reflectir aquilo que temos máis preto de nós. Aquilo que se chama vida.



Publicado no Diario de Pontevedra 19/11/2016

viernes, 18 de noviembre de 2016

A cor como emoción

A Fundación Mapfre exhibe a mostra ‘Los fauves. La pasión por el color’, na que se recolle o nacemento e desenvolvemento dun movemento artístico que con tan só dous anos de vida deixou unha fonda pegada na historia da pintura a través do continuo berro da cor.


DOUS ANOS tan só serviron para facer da cor un xeito de expresión da realidade como nunca antes se vira. Entre 1905 e 1907 un grupo de pintores explotaron a vida que os rodeaba cunha febril paleta de cores que reinterpretaba un mundo cheo de novas miradas, de dúbidas, pero tamén de respostas inmersas no sempre convulso cambio de século. 
A Fundación Mapfre na súa sede do madrileño Paseo de Recoletos mergúllase neses dous anos para achegarnos como xorde ese movemento, que xa se iniciara na última década do secúlo XIX arredor dun grupo de pintores formados no taller de Gustave Moreau. Henri Matisse, Albert Marquet, Henri Manguin, Georges Roualt, Charles Camoin e Jean Puy comezaron a experimentar unha nova realidade a través da pureza da cor e o seu exultante emprego. Ese senso de amizade grupal foi moi importante á hora da configuración deste movemento, algo non moi habitual na historia da pintura, e tamén fomentou novas creacións a través dos retratos que se fixeron entre eles e que centran un dos capítulos desta mostra.
En 1905 o Salón do Outono de París foi, como xa sucedera noutras edicións cos pintores impresionistas, un balbordo arredor daqueles cadros que semellaban conter lume no seu interior. O público e a crítica alporizábase ante esas paisaxes con cores irreais pero ante os que o espírito do espectador víase excitado dun xeito pouco usual. Así quedaron bautizados como ‘fauves’, é dicir, feras, uns salvaxes co pincel que arriscaron todo a esa radicalidade dos tons. A aqueles nomes xa citados engadíanselle dous dos máis interesantes pintores deste movemento incorporados un ano antes, André Derain e Maurice Vlaminck, que lle deron o empurrón definitivo a todos eles para afianzarse nese xeito de pintar, para seren pintores libres e sen máis ataduras co seu maxín e uns pinceis que botaban lume, como vemos nos cadros que enchen as dúas plantas da sede da Fundación coa habitual calidade da montaxe á que acostuman nesta institución.
Deterse ante as vistas de Londres que fixo Derain para renovar as famosas paisaxes que alí tamén pintou Monet, ou facelo ante a vida parisina recreada por Marquet ou fronte as paisaxes rurais de Chatou realizadas por Vlaminck, son suficiente motivo para gozar desta exposición como dunha epifanía pictórica. Pinceladas e cores sen ataduras de liñas o u formas, simplemente ceibes nunha superficie do cadro entendida como un territorio de experimientación, pero tamén de expiación íntima dunhas visións que deixaban de ser as que tiña todo o mundo que participaba delas para converterse na visión que delas tiña o pintor. Un acto subxectivo que acadaba un chanzo máis nas conquistas impresionistas impulsadas dende a cor como gran protagonista. Como todo lume este tamén estaba condeado a súa extinción e, como afirmou o gran pintor do cubismo que tamén coqueteou co fauvismo, Georges Braque, «durou o que duran as cousas novas».
Un movemento tan  fulgurante tiña no factor tempo un inimigo que o condeaba a medida que este medraba á súa extinción. Aquelas feras foron aplacando almas e pinceis e se sentiron máis cómodos a carón doutros mestres como Cézanne e os seus progresos no relativo ás solucións formais e do debuxo. A liña irá domesticando ás cores e apreciarase neles a dulcificación da paleta que aquí se recolle moi ben en diferentes cadros de bañistas-recuperando un tradicional motivo cezanniano- e de paisaxes con formulacións híbridas entre as pesquisas de Cézanne e o inminente cubismo.
De tódolos xeito o feito xa queda aí, e non hai máis que achegarse ante un cadro de Vlaminck para entender a capacidade da cor e da pincelada para emocionar, para xerar unha ledicia na mirada que te afasta do real para inxerirte no máis marabilloso que pode existir na arte, a singular mirada dun creador e a súa capacidade para traducir o noso mundo ao seu xeito. 



Publicado no suplemento cultural Táboa Redonda. Diario de Pontevedra e El Progreso 13/11/2016

miércoles, 16 de noviembre de 2016

Dous títulos na memoria da cidade

Rue Saint-Antoine nº 170
Literatura. Neste novembro, mes da memoria, da lembranza das vítimas tras o alzamento militar e a Guerra Civil, tamén hai espazo para achegarse a aqueles feitos dende a escrita, dende unha literatura que neste ano, e sobre todo con dous salientábeis títulos, escolleu Pontevedra e o que nela sucedeu o 18 de xullo como parte da súa paisaxe.



Ambas son dúas das novelas máis sobranceiras do ano literario que está a piques de rematar, e ambas coinciden, en parte da súa escrita, con facer da memoria de Pontevedra e dos feitos de 1936 que supuxeron a Guerra Civil e as décadas seguintes de escuridade e represión, parte importante do que acontece nas súas narracións.
O certo é que tanto Luís Rei con ‘O encargo do señor Castelao’ coma Xosé Monteagudo con ‘Todo canto fomos’ plantexan dúas novelas ben diferentes entre si, dúas propostas distintas pero que fan dese feito e da presencia do que era Pontevedra nos anos vinte e trinta parte esencial da historia ou historias que asoman por esas páxinas nas que ambos certifican o seu talento para a escrita.
Non é frecuente ver a Pontevedra enxerida como paisaxe dunha novela, e iso que poucos escenarios poden ser máis suxerentes que uns anos vinte que en Pontevedra foron esplendorosos con unha chea de iniciativas culturais e sociais, así como unha importante vida nunha cidade con moitas personaxes singulares e dunha fonda importancia en diversos eidos que fixeron de Pontevedra unha lumieira para toda Galicia. Esta feliz coincidencia permite ver como ese espazo estaba chamado a ser todo un éxito para os que o elexisen como escenario e as dúas novelas fan daquela Pontevedra algo que suma, e moito, ao que acontece nas súas narrativas. 
Luís Rei na súa obra, centrada na figura de Castelao, ten que mirar de xeito obrigado a Pontevedra como o lugar no que residiu o de Rianxo entre 1916 e 1936 e onde tivo lugar o fusilamento do seu camarada Alexandro Bóveda e a partir de aí o suxerente plantexamento que fai na novela. Mentres, Xosé Monteagudo, nunha novela de fondo alento, de xeracións que se suceden, centra en Pontevedra esa narración xeracional cunha importante parte adicada aos sucesos que se viviron en Pontevedra antes e despois do alzamento, coa figura central de Bóveda, pero tamén cunha serie de protagonistas que definen esa memoria dos feitos que tiveron lugar na nosa cidade.
«Altofalantes en lugares estratéxicos da nosa cidade, como a fachada do Café Méndez Núñez, fronte á igrexa da Peregrina e a só catro portais da que foi a súa casa». Son palabras da novela de Luís Rei, para falar dos altofalantes do terror que proxectaban o medo sobre as rúas. Eses catro portais levaban ata a vivenda de Castelao na rúa Oliva, vivenda e estudo cuxos bens foron incautados, outros, como a biblioteca dos irmáns Barreiro queimados en plena praza da Ferraría... episodios e máis episodios dun tempo de loucura capitaneada por esa terrorífica Garda Cívica con Víctor Lis á cabeza. Tempo de paseos e represións, de envexas e axustes de contas entre os que ata só unhas horas antes eran simpremente veciños. Doce de novembro. Dez mortes. «Estou convencido de que se don Amancio estivo entre os compañeiros de desgraza de Adrio e de Poza, en novembro, non foi tanto polo seu republicanismo, máis ben tépedo, como polo modernísimo sanatorio que uns anos atrás puxera en pé na avenida de Vigo. E o que Marescot tampouco non podía aturar, logo de ver clarisimamente superada a súa clínica (...)», escribe Luís Rei nunha recreación literaria de tempos e personaxes ás que a historia colocou nun momento complexo e nunha cidade na que a súa serenidade saltou polos aires.
En ‘Todo canto fomos’, Xosé Monteagudo prolonga esa narración de feitos na que participan personaxes comúns. Castelao, por suposto, Bóveda, o doutor Caamaño e a Garda Cívica, o terror do que non se pode desprender nada do que se escriba arredor daquel intre e a consecución do medo, a gran arma da represión en Pontevedra, escenario, como Galicia, ausente de combates entre os dous bandos, pero no que se impuso unha liña de terror perfectamente argallada e cunhas directrices a aplicar en forma de castigos para que fosen coñecidos para os demais e que obrasen segundo os postulados imperantes na época. O Partido Galeguista, Jacobo Zbarsky e o gran cárcere do franquismo na nosa contorna, a Illa de San Simón que protagoniza un amplo número de liñas que nos resitúan ante o horror e unha serie de feitos nos que alicerzar a nosa memoria a manter ergueita daqueles sucesos. E como non os feitos do 12 de novembro: «Cada un desempeñaba a súa profesión con toda a honestidade, mantiñan boa relacións con familia, amigos e veciños, nunca exerceran intimidación ou violencia contra persoa ningunha. Gustaban da vida tranquila e da conversa sosegada, e coma Anxo Daponte, afiliáranse a un partido ou simpatizaran cunhas ideas políticas que os novos amos da cidade consideraban tan perniciosas como para matalos a todos», escribe Xosé Monteagudo. Liñas que nas que o autor é quen de manter a emoción dos feitos reais e enxerilos na súa propia narración, acadando unha obra que explica moi ben uns tempos e uns actos que afortunadamente teñen xa nestas dúas novelas dous plantexamentos literarios que fan desa memoria un espazo a conservar, facéndoo dende a literatura, aumentando así ás súas posibilidades de achegarse ao lector e cun pano de fondo, o das rúas e as vidas de Pontevedra.



Publicado no Diario de Pontevedra 14/11/2016

lunes, 14 de noviembre de 2016

Un momento de felicidad

Rue Sain-Antoine nº170
Instalación. Esta obra, inaugurada el 26 de octubre en la Vila des Arts de Rabat (Marruecos), podrá ser visitada durante el mes de noviembre como parte del proyecto creativo del artista pontevedrés José Freixanes. Una pieza que habla de la necesaria integración de culturas marcando un hito de educación y creatividad en este orbe globalizado.



Una cúpula bajo el sol marroquí inspirada en los morabitos característicos de este territorio es la última materialización del trabajo de José Freixanes, en este caso, formando parte del programa cultural ‘Visages. Cultura española hoy’ promovido por el Ministerio de Cultura. Un programa entendido como puente entre culturas, como salto del estrecho para aproximar, desde la experiencia común de lo artístico, a España y Marruecos. Y, ciertamente, pocos elementos permiten aniquilar indiferencias y prejuicios de manera más diáfana y certera que el arte. Incapaz de entender de fronteras, razas o distancias entre personas, el arte define desde su presencia una nueva realidad, siempre integradora y siempre capaz de generar ese momento de felicidad que aquí surge como un abrazo común al amparo de un espacio construido para caminar juntos. Para ser uno, para ser estímulo y sensibilidad hacia ese respeto entre unos y otros que este mundo globalizado, tiránico y cruel, se ha empeñado a conciencia en dinamitar.
Es, desde la Facultad de Bellas Artes de Granada, en la que José Freixanes imparte docencia, en donde germina esta pieza en la que 25 estudiantes de dicho centro participaron en su confección y 10 de ellos se trasladaron a Rabat para una instalación en la que su exterior se realiza a través de la ropa donada por viajeros de todas las partes del mundo. Una bóveda de colores y sensaciones, donde los matices propiciados por el paso de la luz del sol modifican a cada hora del día la sensación que se tiene desde el interior y que se une a esa percepción del material como elemento común a diferentes territorios. Bajo ella, en el lugar de la intimidad, cobra protagonismo la palabra. La escritura como tránsito intercultural y elemento central en todo lo que supone el proceso educativo, tan importante en el contexto de esta obra. Esas palabras son fragmentos de 21 poemas que han sido realizados con especias sobre harina de arroz y mostrando diferentes caligrafías, tanto árabes como latinas. Poetas sufís, pero también de la poesía mística española y de la literatura actual. Poetas como Jalaluddin Rumi, San Juan de la Cruz, Ibn Arabi, Adonis, Antonio Machado, García Lorca, María Zambrano, Lhaj Belaid, José Ángel Valente o Antonio Lucas, entre otros, tomándose del primero el comienzo de uno de sus poemas para darle título a la obra, ‘Un momento de felicidad’. Es la narración del instante, la percepción de ese fragmento de tiempo en el que todo es voluble y fugaz, en el que la sensación de lo efímero se vincula directamente a una instalación que solo estará en pie durante el mes de noviembre.
Ese momento es el de la reflexión, cada vez más difícil de propiciar en esta sociedad, pero bajo esas telas, leyendo esos textos, oliendo las especies con que fueron escritas o escuchando los sonidos de varias composiciones musicales andalusís y del desierto marroquí, se genera un ámbito donde somos sencillamente lo que somos. Sin contaminaciones, enfrentados a nuestra percepción íntima de aquello que significamos. Es el momento de apartarse del conflicto, de las dudas planteadas desde lo ético, lo moral y lo social, a través de unas relaciones cada vez más alejadas de todo aquello que pueda vincularse con la tolerancia, la diversidad, el respeto y la diferencia. Cuatro ingredientes que traemos de serie pero que, de manera progresiva, vamos haciendo jirones hasta llegar a ser una especie autodestructiva y llena de taras.
En este interior terapéutico nos citamos con la educación, la cultura, el conocimiento o la creatividad como único vial posible cara a la redención. Esta idea se viene repitiendo en José Freixanes con unos proyectos que no son nada ajenos a las realidades de países diferentes desde lo cultural al nuestro. Y lo hace desde una desintegración del hecho pictórico en el que se inició en sus primeros compases pictóricos. Un campo que amplía el lienzo y se instala en la realidad para modificar percepciones, para hacer del pasivo espectador parte activa de su trabajo y en el que pueden confluir diferentes opciones artísticas para generar un poemario común a muchas singularidades. Se hace así de la estética parte de un discurso independizado de la pared, de la sala de exposiciones, ahora convertida en intervenciones en diferentes partes del mundo en las que se baliza este itinerario de la responsabilidad de un artista comprometido con lo que le rodea frente a lo que se plantea como valiente discurso del no, de la opción contraria a lo comúnmente establecido.
Ya hemos visto antes esos juegos de palabras, o esos conjuntos de telas hilados en un camino de esperanza, donde todo se condensa en un instante de felicidad personal, un triunfo febril frente al horizonte sombrío en el que nos movemos a diario. En Pontevedra no nos olvidamos de la impresionante instalación montada en el Pazo da Cultura en la XXX Bienal de Pontevedra, ‘72 silencios’, con motivo de una Bienal que buscaba borrar fronteras y converger artísticamente entre la Península Ibérica y el Magreb. En definitiva un trasunto de lo que vuelve a ocupar a José Freixanes en estos días, hacer de lo hecho un gozoso estado de la cuestión que relacione no geografías diferentes, sino seres humanos iguales.



Publicado en Diario de Pontevedra 7/11/2016

sábado, 12 de noviembre de 2016

Elas, no silencio

«Desde entón, cada 12 de novembro amence o mesmo día gris, de chuvia miúda, coa atmosfera baixa. Todos os anos fai o mesmo tempo, e para min sempre é igual de triste novembro.
[Fina, orfa de Ramiro Paz]



Doce de novembro. Día para a lembranza, día para a memoria, pero non a memoria artellada dende o laio ou a mágoa, senón dende a memoria afouta da dignidade. Cada ano que se repite esta data lembramos en Pontevedra aos dez fusilados polos sublevados fronte a un goberno legal (déixense de equidistancias) feito que plantexou un enfrontamento fratricida entre veciños que, nesta cidade e a súa contorna, deixou unha brutal e mesquiña represión coa que non adoitamos enfrontarmos. 
Moitas desas vítimas foron mulleres, mulleres ás que o tempo e o desprezo de moitos acantoaron nas marxes da historia, nas que xa adoita poñerse sempre á muller. Elas, no silencio, foron donas da súa dor irreparábel, da perda e da lousa da ausencia da que é imposíbel fuxir. Engadan unha ‘Transición interruptus’ que deixou abertas moitas feridas e con ninguén detrás para tentar pechalas, xa que só se pode nomear a Lei da Memoria Histórica do mefistofélico Zapatero que, aínda que con moitas eivas, si que foi un primeiro chanzo dunha escaleira que moitos se adicaron a boicotear. Así é como iniciativas como as que se veñen desenvolvendo dende o Concello de Pontevedra convértense no único bálsamo contra a ignominia. A necesidade de facer desa memoria alicerce dunha sociedade adulta e orgullosa de seu. A Luis Bará, no seu haber de Feiras Francas, recuperación de espazos urbanos e Salóns do libro tamén temos que apuntarlle esta loita contra o silencio a través da memoria, e neste caso da memoria das mulleres, na que traballa apaixoadamente dende hai uns anos cun resultado que comeza a berrar. Luis Bará non está só, e ao seu carón xente como Pepe Álvarez, Montse Fajardo, María Xesús López Escudeiro, Xiana Iglesias ou María Abilleira están a traballar arreo para a localización de materiais e testemuñas que nos conten a historia e as historias daquelas mulleres traballadoras do campo e do mar, daquelas mulleres pioneiras no ensino e na investigación e daquelas mulleres represaliadas e resistentes. Achegas imprescindíbeis para escribir a historia que ninguén quixo escribir e para facer dela o auténtico monumento dos esmagados tras o alzamento.
Ao longo deste mes diferentes actos porán en valor o descuberto, cunha especial atención, precisamente, ao papel destas mulleres. Neste día de lembranza dos que foron fusilados nunha dramática xornada, entre as pedras do monolito que os recorda fíxense ben porque nos seus intersticios medran as herbiñas que foron aquelas mulleres que sofriron a súa ausencia. Vida nas pedras, sete viúvas que con 33 orfos convértense en monumento permanente da memoria. Lola Lois (Ramiro Paz), Rita Sobrido (Germán Adrio), Aurora Poza (José Adrio), Blanca Fernández (Capitán Juan Rico), Matilde Caamaño (Amancio Caamaño), Carmen Julián (Víctor Casas)e Isabel Gómez Costas (Telmo Bernárdez). Así, xuntos, é como deberían ter morto moitos anos despois de que unha bala chea de rancor puxese punto final á súa historia. A todas elas púxolles alma Montse Fajardo o pasado martes no primeiro deses actos de memoria cunha conferencia arrepiante, na que a emoción impedía tomar as notas precisas para apuntar uns datos e unhas historias que se ían afogando nunhas bágoas coas que un loitaba para que non saísen á superficie. O bolígrafo tremía, canto máis tremerían aqueles corpos ante á barbarie e o medo que lles infrixiron sen compaixón, coa consigna de facer dano e de que ese dano se perpetuase no tempo como aviso para a veciñanza.
Admiro a Montse Fajardo, leínlle o libro ‘Un cesto de mazás’, imprescindíbel xa para achegarse a este contexto, e cada vez que a escoito falar esa admiración medra. Polo valor de enfrontarse aos rostros e os corazóns aínda doentes dos que gardan esas historias baixo unha coraza, pola necesidade que ten esta comunidade de que esas narracións sigan vivas e por ter a capacidade de presentalas ante o público dunha maneira íntegra, no desterro da carraxe, sen que se lle rache o fío de voz e transmitindo dende a imaxe ou a palabra recollida aquilo que é tan difícil de achegar á xente, o que sentían unhas persoas na ameaza constante, no medo envolto por un silencio por fin rachado. Hoxe, cando estean ante ese monumento e lean os nomes alí inscritos, pensen tamén nos nomes delas, uns nomes enxeridos nun silencio agora feito memoria.


Publicado no Diario de Pontevedra 12/11/2016
Fotografía: Homenaxe de 2015 ás mulleres represaliadas no Teatro Principal. Rafa Fariña


miércoles, 9 de noviembre de 2016

Los primeros 70 años de creación

Rue Saint-Antoine nº 170
Arte. Juan Fernando de Laiglesia y Fernando Casás celebran 70 años de vida renovando sus votos con el arte y el permanente deseo de expresarse mediante la fisicidad de la creación. Profesores de la pontevedresa Facultade de Belas Artes, su vínculo con el centro académico ha marcado sus vidas de manera intensa, al igual que a sus trabajos.
 
Intervención de Fernando Casás

Adentrarse en la Sala-X de la Facultade de Belas Artes de Pontevedra siempre tiene algo de especial. Ese encontrarse en un espacio de tránsito, una zona umbral entre el ámbito educativo y el sombrío (mucho más para el artista) exterior. Ahora, bajo la gestión de Nacho Barcia, este espacio continúa con su simbiosis creativa entre alumnos y profesores, entre alumnos actuales y otros que regresan años después de haber pasado por las aulas para seguir calibrando su trabajo. Pero lo cierto es que dentro de ese ecosistema, ya perfectamente testado, hay exposiciones que poseen un rango superior, y ésta es una de ellas. Y lo es por muchos motivos, en primer lugar por tratarse de dos profesores que ya podríamos calificar como míticos en esa Facultad, en segundo lugar por la celebración de 70 años de vida, 70 años de arte, y en último lugar, por la calidad del trabajo expuesto que no viene más que a refrendrar que esos 70 primeros años de creación han sido tan intensos como fructíferos y a los que les seguirán otros tantos de igual magnitud.
Trabajar desde el encuentro, desde la aproximación de postulados artísticos desde la singularidad de cada artista, puede generar maravillosas y, muchas veces, imprevisibles consecuencias. Esta es una de ellas, si a priori uno piensa en el trabajo de uno y otro creador y la posibilidad de que ambos cobijasen sus proyectos bajo un mismo techo, las dudas asoman desde el primer instante. Pero lo maravilloso del arte y sobre todo, de entablar un diálogo sostenido en el tiempo en paralelo al propio hecho formal en el que el intercambio de ideas irá modelando lentamente, en un proceso casi tectónico, lo que finalmente se va a exponer al público.
Piezas de Juan Fernando de Laiglesia
Tan importante como lo que tenemos delante de nuestros ojos es el camino recorrido, el itinerario señalizado a través de un fluido intercambio de mails que entre ambos talleres, entre ambas realidades, han ido movilizando esas placas de pensamiento hasta hacerlas encajar. Es por ello que el registro de esa correspondencia es fundamental a la hora de aproximarse a lo realizado y de ahí la importancia del catálogo editado, en el que se imprime esa relación escrita que contextualiza lo hecho, pero sobre todo resitúa a ambos creadores en este momento tan preciso de sus vidas. Cumplir 70 años propicia uno de esos momentos tan necesarios en la existencia, el de la reflexión sobre lo andado y el horizonte que queda o que no queda.
Y todos estos ingredientes se detectan flotando en el éter de la exposición, entre unas formas que nos atrapan con ese magnetismo que emana del arte y de la acción del hombre sobre el material. Y es que esa acción está muy presente en ambos, en las piezas de Juan Fernando de LaIglesia, deudoras del objeto duchampiano y de la reflexión sobre la naturaleza de las formas. Cómo lo formal se desintegra en fragmentos de un ensamblaje artístico y mental. El sentido lúdico de la obra interactúa con el espectador que visualmente debe completar ese planteamiento. Pasamos de una pieza a otra, en un estudiado análisis del territorio expositivo, pero ¿dónde está la obra de Fernando Casás? La inquietud se genera de manera activa hasta que llegamos al espacio más recóndito de la sala, como si tuviésemos que atravesar la espesura de la amazonía hasta detectar la presencia trascendental de la propia naturaleza. La cavilación sobre el entorno natural, las huellas de un medio en constante estado de alerta ante nuestra permanente destrucción y autodestrucción. Colores, olores, sonidos que ponen nuestros pies en la tierra al tiempo que todo un cosmos se abre ante nosotros, un ámbito casi de delirio por los últimos intereses de la ciencia y el poder por lograr llegar hasta el planeta Marte ¡cómo si se nos hubiera perdido a nosotros algo allí! Y con todo lo que necesitamos esa alocada inversión aquí. En ese útero natural es hasta donde nos conduce Fernando Casás a través de la acción de Juan Fernando de LaIglesia donde, a la inversa de lo anterior, nos detenemos en las formas de la naturaleza para cerrar así un círculo de creación y atención con nuestro entorno y con nosotros mismos.
Una vez que finalizamos este recorrido, este encuentro entre dos maneras de entender la creación, es el momento de poner en valor la experiencia y de entender el esfuerzo de dos pensadores tan diferentes, pero aquí perfectamente engrasados el uno con el otro. Se crea así un discurso concordante en el que se refleja ese diálogo previo de seis meses para generar una dialéctica desde lo singular que se convierte en motor común y en un hito de conmemoración de 70 años, o lo que es lo mismo, de toda una vida al amparo de un proyecto estético que ha definido  ya no solo una sólida trayectoria artística sino el paso por la docencia de ambos que no puede desligarse de esta situación. Una docencia que ha dejado huella en muchos y ha hecho mella también en quienes afrontaron este centro de estudios como una oportunidad de regeneración y de cambio, pero el tiempo, con sus promociones de artistas ha sido generoso, pero no ha sido así del todo por la burocratización y la llegada de un Plan Bolonia que sepulta mucho de lo soñado. Mientras, ilusionémonos con este diálogo y estas formas que celebran 70 años de vida.

Publicado en Diario de Pontevedra 31/10/2016. Fotografías. Rafa Fariña

lunes, 7 de noviembre de 2016

A poética do pequeno

A Fundación Laxeiro acolle na súa sede en Vigo unha máis que interesante mostra de traballos do escultor Silverio Rivas. Coñecido e alabado polas súas pezas públicas e monumentais o cambio de escala que aquí se produce lévanos a rexistrar novas sensibilidades na súa creación.



PENSAR EN Silverio Rivas e no seu traballo escultórico lévanos inmediatamente a evocar a súa escultura pública, o traballo de gran tamaño dende o que o artista foi quen, a longo da súa xa longa traxectoria, de amosar preocupacións que enriquecen as súas pezas nunha diálectica dos materiais e da resolución formal plantexada dende a loita entre o estático e o dinámico, ao que se lle engade o singular tratamento dos diferentes materiais empregados. 
A achega desta mostra comisariada por Javier Pérez Bujan é a do cambio de escala e o que ese efecto conleva dende a nosa habitual posición fronte ás pezas do escultor de Ponteareas. Esa nova perspectiva lévanos a describir unha especie de poética do pequeno, ao calibrar como o que podían ser as súas grandes conquistas escultóricas dende este novo rol convértense en íntimas posicións fronte ao propio proceso escultórico, e o que podería ser unha sorte de ensaio ou de boceto de cara a unha empresa maior, acada poder de seu, defendéndose dende unha lírica de formas e materiais abraiante e da que a priori pouco se podía esperar.
O emprego para esas esculturas de follas de lata, arames ou pequenas madeiras confírelles unha lixeireza afastada incluso do seu tamaño e que reside máis na mestría do seu creador. Esas pequenas formas, case suspendidas no aire, condensan moitas das preocupacións de Silverio Rivas no enfrontamento entre a forma e o baleiro, e como a materia habita o espazo. ‘Mutación inducida’, nome que recibe a mostra, afronta esa situación, a da mutación ou o cambio nun material que formaba parte dunha realidade anterior, co seu uso industrial ou cotiá e que se converte en material artístico. Situacións que se rexistran a posteriori como o senso lúdico nas pezas ou unha formalidade do surreal lévannos a ensanchar as súas propostas e a encher de riqueza visual a estas pezas que se presentan en catro grupos.
A exposición complétase cun conxunto igual de interesante, como é unha secuencia de latas de refresco recollidas ao longo de diferentes paseos pola contorna do seu estudo e ás que a natureza e os seus efectos foron transformando xunto coas pegadas do contacto do ser humano, como o esmagado polas rodas de camións ou tractores. Pezas coas que o artista se ía atopando e que non recollía ata que a súa composición mudara tal e como el desexaba. Outra mutación a cargo duns materiais que, intelixentemente dispostos ao longo de dúas paredes, ofrece unha secuencia definida polo material e o paso do tempo. Artista e natureza acometendo un mesmo fin, xerando unhas pezas nas que ambos deixan a súa pegada nunha maridaxe imprevisible, pero que nos permite retomar unha nova forma de existencia dende uns materiais desbotados pola nosa sociedade de consumo a un ritmo tan vertixinoso como desalentador para esa mesma natureza.
Quedan, polo visto, todos estes debuxos materializados en formas que se espallan polo aire da sala de exposicións da Fundación Laxeiro nunha reflexión que xorde do propio valor e a capacidade de mutación do material para desembocar nunha proposta plenamente escultórica. Empregando unha técnica de ensamblaxe que retoma postulados máis empregados nas súas primeiras etapas como creador, naqueles momentos nos que o legado do seu mestre, como de tantos outros, Jorge Oteiza, agromaba nunhas esculturas que nunca perderon ese fío conceptual.
Achegarse a estas pequenas pezas é ver a un escultor doutra maneira, máis pegada ao labor do taller, cando a futura peza é unha idea que precisa de sucesivos chanzos para conformarse plenamente. Que estas obras saian do estudo e dialoguen sen nengún rubor co espectador é unha boa nova que fala dun talento que non deixa de medrar, pero sobre todo dun pensamento que pode aniñar sobre soportes moi diferentes, nunhas experiencias que veñen a lexitimar un xeito de entender a escultura que xa é parte irrenunciable do noso acervo escultórico.



Publicado no suplemento cultural Táboa Redonda. Diario de Pontevedra/El Progreso de Lugo. 30/10/2016